是国画的深刻吗？
但是如果是广泛的。写意尤其是水墨写意更难欣赏，因为它不写实，形象不具体，你看不懂，也无法知道作者的意思。当然，普通人这样欣赏国画是完全可以理解的，因为画的像、清晰的时候容易引起联想，产生* * *感。但我们必须明白，一幅国画的好坏，并不是用“似”或“不似”来衡量的。
就艺术而言，我们衡量一幅画的好坏，或者说我们欣赏一幅画。首先，不在于是否喜欢，而在于画的主题，或者说画中所放射出来的一些观念、思想、情感，是否能牢牢抓住观者的心弦，给人以充分的艺术审美享受，使人从中得到某种启迪和教育。应该说，这才是所有艺术作品的真正目的，意象与非意象只是达到一个作品目的的手段，而不是目的本身。所以，像与不像不能作为衡量作品好坏或欣赏作品的标准。
那么，画家是怎么来看画的呢？就中国画而言，看一幅画一般就是看画面的整体气势。就中国画而言，就是先欣赏其“神韵”或“形似”，再看其笔墨趣味、构图、设色、笔法等等。最后看其形状，即是否像或“相似”。这种“神韵”的欣赏方法，就是抓住了绘画的本质，因为“神韵”是一种高层次的艺术审美享受，往往是中国画家追求的目标。
当然，从绘画中体会一种“神韵”并不容易，不仅需要一定的审美能力和艺术修养，还需要一定的中国画基础知识，尤其是一种通过“画”训练出来的“感觉”。所以，要欣赏好中国画，必须具备各种才能和艺术修养。
艺术欣赏需要经历审美感知、审美领悟、审美创造三个阶段，中国画也是如此。
美感要求我们直观地感知审美对象，即艺术作品本身。我们能从作品中感知到什么？画的喜不喜欢，色彩的明暗，线条的流畅或笨拙，表情的细致或写意等。总之你自己要凭直觉冷静感受。
第二步，在审美感知的基础上进行审美领悟。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意义、意义和内涵。这种理解包括对作品艺术形式和技巧的理解；对作品内容和主题的理解；以及对时代背景和时代精神的理解等。，这需要充分调动我们的思维能力。
我们可以一步步思考:画的内容应该表现什么？是如何表达的？采用的艺术手段是否恰当？能否充分表达主题？同时通过作品的画面，猜测作者的心思，是热情的赞美还是苦涩的讽刺；透过画面的氛围，体会画面的情调:深沉或大胆，乐观或悲伤。我们也可以根据已有的知识结构，结合作者的生活经历、创作特点和时代背景进行分析。
这一步，艺术的审美欣赏并没有结束，还有审美创造的阶段。即经过审美感知和理解，在对作品进行审美欣赏的基础上进行再创作，通过积累的审美经验、文化知识和生活经验，丰富联想和发展，进而塑造新的形象。
这样你才真正得到了启蒙和教育，国画欣赏才获得了真正的意义。朋友们不妨用这种方式欣赏国画(或其他画)，仔细尝试一下，看看能否有所收获。
欣赏中国画，掌握中国古代绘画评价的基本原则——
“六法”是必要的。
“六法”是南北朝时期生活在南齐的著名人物画家和艺术理论家谢赫提出的。谢赫擅长肖像画和仕女画。据报道，他以敏锐的观察力和深刻的听写技巧接受训练。然而，他在中国绘画史上的地位主要取决于他的理论贡献。他的《古画目录》初步奠定了中国绘画理论的完整体系，提出了绘画的艺术标准——“六法”
“六法”的内容有哪些？包括传神神韵、骨法、象形应答、色彩搭配、商位、转写、触写六个方面:
生动的魅力:魅力是什么意思？是画面形象的精神气质，被东晋人物画家顾恺之称为“神”。气韵生动是指形象的精神气质是活泼的、生动的、突出的。也就是说“形神兼备”，中国画的要求不仅是描绘物象的形状，还要表现其精神。人物有精神，山水花鸟也有精神。达到神似，才能传神。许多画家认为，没有魅力的作品不能称为绘画。当然，要表现艺术形象的生动性和真实性，即魅力，也离不开其他五种方法。传神神韵也离不开构图立意和笔墨技法，所以和其他五法是一个整体。其他五种方法也离不开生动性，否则就成了一个缺乏灵魂的纯技术性的东西。
骨法笔:骨法原指人物的外貌特征，后指一切被画物体的轮廓。用笔是中国画特有的笔墨技法。一般来说，骨笔的使用是指如何用笔墨技法恰当地描绘出物体的形状和肌理。如果把气韵生动理解为“神”，那么就可以简单地理解为“形”，这与顾恺之的“以形写神”密切相关。“形”的描写是借助笔墨写成的，但写形只是一种手段，其目的是为了表现“神”。
对象的象形表现:即画家在画对象时，要符合对象的本来面貌，用造型的方式表现出来。换句话说，描述事物要以一定的客观事物为基础，作为支撑，不能随意主观臆断。即客观反映事物，刻画对象。但作为一门艺术，在尊重客观事物的前提下，我们也可以选择、概括、想象、夸张。这可以说是指一种创作的态度和方法。
分类着色:指色彩的应用，即根据不同的对象、时间、地点应用不同的颜色。中国画对色彩的运用与西洋画不同。中国画喜欢用固有色，也就是物体本来的颜色。虽然也注意了一定的变化，但是变化很小。
营业地点:指构图。管理是指构图的设计方法，是根据画面的需要来安排形象，即通过文章的布局来体现作品的整体效果。中国画历来重视构图，要讲究主客关系、呼应、真实、简约、疏密、隐蔽、不匀。
传、摸、写:意为写生、临摹。写生真人，临摹古代作品，是一种学习自然，继承传统的学习方法。
对于画家和绘画来说，六法是最高要求，一般很难完全达到。各擅长一节就够了。我们了解和掌握六法，便于我们了解古人评价绘画的标准和侧重点，从而客观地看待祖国的艺术遗产，我们在欣赏国画时也会从中得到一些启示。
能否欣赏中国画是衡量中国人是否有艺术品位的标准之一。欣赏中国画需要欣赏者具备一定的知识、天赋和风格。
一幅国画要先看，布局要和谐。是否有作者的个人风格，意境，意趣，应该是深远的。意境或趣味是观者对一幅画的最初印象，好的意境或趣味让观者想去细细品读。任何好的笔墨技巧都是为表现意境或情趣服务的。风格是中国画家区别于其他画家的特征，也是检验一个画家成熟与否的标准。国画大师的作品都有鲜明的艺术风格。
布局是绘画的策略，也是绘画表现的最关键部分。如果左边画一块巨石，右边画一只鸟，再加一些草，在下面题写几个字，画就完成了。即使笔墨精美艺术，布局不当，画面失衡，让观者感到不适，也不是成功的中国画。大师潘天寿的画，非常注重意境。一山一石一虫一鸟，无不显示着万物的生机和大自然的诗意。他的画充满了危险、奇异和多样性。通过各种意象，在激烈的冲突中一一化解，最终画面平衡和谐。他的伟大画作气势磅礴，奇幻绝伦，常常给观者以震撼的美感。
其次，看造型和线条。形状太不当，人不像人，山不像山，树不像树。就算版面好，台词好，也还是不精彩。造型要合理，线条要自然生动。然而，自然生动的线条有着各种各样的风格，有的很美，有的很古老，有的很简单，有的很粗，有的很优雅。这些线条通过表现不同的意象，会产生不同的美感。在这些线条中，一定要有书法美感。一般来说，吴昌硕的线条是古拙的，齐白石的线条是苍老的，潘天寿的线条是凝重的，范曾的线条是飘逸的。
没有书法功底的国画作家，往往线条软弱、油滑、稚嫩，这些线条所表达的形象内涵大大贫乏。这种画常见于旅游景点或工艺品商场，大量画技低下的国画作者创作了大量劣质庸俗的国画，极大地败坏了国画的声誉和市场。
看墨水颜色的变化。有些不好的画往往是部分黑，没有任何变化，墨淡而不空灵。一幅好的国画讲究黑的五色:焦、湿、厚、重、清。焦墨画只适合写生方便，收集山水素材可行。没有人的焦墨山水能成为中国画的上品。作为一幅完整的中国画，焦墨画的魅力大打折扣。就像张定的焦墨风景画，让人觉得口干舌燥。齐白石的素描花鸟写意，意趣悠长。他非常擅长使用墨水、水和颜色。他手中的画笔在生活中变化无穷，让欣赏者几十年后仍能感受到画面的湿润。湖南农村曾经有一位农民花鸟画家王寒山。他的画气势磅礴，布局合理，苍劲有力，但他变化不大，一直在走。他不擅长用水和用色，画面有生气。他说“我们要给足够的墨水和颜色来画画”，但他给的太多了。他经常看到自己的照片是黑色或红色的。他的画风格很浓，但画的不高。
中国画以墨为主，色彩次之。好的中国画，要做到色不碍墨，墨不碍色。因为国画不写实，所以色彩不能太写实，不能和黑线表现的对象不协调。在一般的色彩中加入一点淡墨，使色彩沉稳而古雅。范曾画人物的时候，脸上的颜色并不全是粉色，带着淡蓝色的花，底色也是带着朱子的蓝花，甚至还加了一些淡墨，都是为了色彩的高古。如果脸是白粉和曙红，背景的植被是绿色，岩石是花青或赭石，那就俗气了。工笔花鸟画和人物画也要讲究轮廓的线条和物象的色彩。好的国画的设色，或沉稳，或古风，或飘逸，不能像油画或水彩画一般设色。在有色彩的中国画中，笔墨部分不要画得太多，要留些东西来表现色彩，而简单的水墨画则尽量多写，添色就成了多余。
最后看标题和印章的构成。碑文看书法功力和书写内容是否精美，印章很有讲究。封面位置合适就是锦上添花，封面位置不合适就是佛头。
画作装裱的话，要看装裱工艺，绢纸的搭配，画面是否平整，长宽是否和谐。画画框的时候，可以欣赏画框的材质是否精美，做工如何。毕竟一幅好画装裱不好是很可惜的。好像一个大师穿着烂衣服，风神就逊色很多。
外观:
初看国画，不要欣赏简单的画面，还要看下面的物品是否精美。
画家:
一个画家的作品可以显示出作者的成就。画面的形象就是画家的具体。我们经常主观地批评画的质量，这是受画家影响很大的。
书法:
中国画和西洋画的区别之一就是书法。中国画往往配有诗，诗是画的灵魂。有时候一句诗，如画龙点睛，为画作增色不少。画中的书法也很大程度上影响了画面。书法不精通的画家大多不敢落款，虽然只有签名，但也能看出其好坏。
印章:
画面上有各种常见的印章:画家印章、签名人私章、锡箔印章、收藏者印章、欣赏者印章、鉴定人印章等等。各种印章的刻制者、印刷内容、印章位置等。都是经过评估的。特别是古画，往往有皇帝、名家、收藏家、鉴赏家的印章，可以辅助鉴别真伪。
框架:
国画装裱比较独特，常见的有纸和绢两大类。如今，水洗、丝绸装裱更加精致。边缘的颜色、宽度、重量、连接和安装都很有讲究。现代日本贴片机别有风味，对现代贴片机方法有影响。好的装裱能把一幅画衬托得更漂亮、更昂贵、更大方。
框架装饰:
如果通过压镜将画隐藏在玻璃框下，框边的材质、颜色、大小对画的美感有很大影响。近几年北美的画师多以西式框饰代替中式装裱，也是相当可观的。
内涵:
中国人对书画的欣赏不仅仅是表面的，还有作品与作者的关系。
技能:
他从事书画的时间越长，表现出来的功力越多，这是初学者无法掌握的。尤其在书法上，老将苍劲有力，苍劲有力。在国画中，它的线条、设计和意境也显示了作者的技巧。所以生活经验丰富的艺术家往往会有和年轻画家不一样的表现，这种表现就是技巧。
布局:
布局看似是画面的设计，其实是作者心目中的天地，表现在画面布局上。中国画和西洋画有很多不同之处，最明显的就是“留白”。国画不加底色，所以留白很多，但疏、密、聚、散，就成了留白的布局。在空白处，有人用书法、诗词、印章等填充空白处。，还要把它弄空，这样从布局上就能看出作者特别的地方。
学习:
实力和布局见图。至于作者所受的教育，对他的作品影响很大。所以中国素有“文人画”之称。著名的文人，他们的作品是不同的，是一种“书卷气”的学习是一个画家和一个画家的区别的条件之一。
字符:
西方画家常常以浪漫不羁、与人游戏为乐。而欣赏者只看他的画，忽略了画家的私德。中国的人不一样。不道德的，臭名昭著的，犯大罪的画家或书法家，即使书法艺术精湛，也没人问津。曹操、秦桧等奸臣的作品高悬，岳飞的《还我河山》、孙中山的《天下为公》等都是因为这个原因而成为家喻户晓的匾额。
诗:
书画中的诗词，往往代表着大师的心声。一首好诗也能体现作者的内涵和学识。好的一句话也成就了书名的点睛之笔。最难得的是作者可以不抄袭别人的旧作，为自己的画面写诗，更是绝无仅有。至于书法，临摹一首古诗，别人只看它的字，因为内容不是作者的声音，而是古文临摹，缺少作者的灵魂。
印章:
无论文字还是绘画，往往都有“压角”的篇章。所谓压角，就是画面或者书法的空白边角。印出来的字有时候对字画影响很大。我们也可以从印刷文字中看出作者的心态或者当时的环境。好的印章，加上好的刻刀法，把字画盖住，为作品增光添彩。